Vinyls Fever

2009-06-18T05:54:00.000-07:00

Leigh Stephens - Red Weather (1969, Philips PST 5107)

Revoilà ce bon Leigh Stephens, encore un tour sur la platine ! En guise de bio rapide, disons que Leigh Stephens est l'homme qui a fondé Blue Cheer avant de s'en faire débarquer par ses confrères bien défoncés... En 1967 il fonde donc le combo de hard Blue Cheer dans la baie de Frisco avec Dickie Peterson et Paul Whaley ; ensemble ils sortent 2 brûlots fondus dans le plomb et qui ne prennent pas une ride plus de 40 ans après, à savoir Vincebus eruptum et Outside/inside. Peu enclin aux drogues dures qui sévissent dans le reste du groupe, Leigh s'en plaint au manager qui - outre d'être le dealer du groupe - le vire tout simplement ! Pas grave, Leigh qui n'est pas du genre à se pencher la larme à l'oeil sur le passé va tracer sa route, en musique et en arts graphiques.

Pas contrarié pour un sou, Stephens se taille en Angleterre en 68 où le rock lui plait, et où il fait de belles rencontres : Jeff Beck, Rod Stewart, Nicky Hopkins et Mick Waller, s'il vous plait ! Il se met alors sur l'écriture de son opus solo, Red Weather, qui sera discrètement distribué par Philips. Génialissime melt de blues, de pop psyché et de rock péchu, Red Weather est surement la perle de la discographie de Leigh Stephens, bien devant les précités albums de Blue Cheer, ainsi que le reste de ses réalisations.

L'album s'ouvre sur Another dose of life, un blues rock bien roulé, lent et mélodieux, très typé par les productions anglaises de l'époque. On y décèle toutefois des réminiscences de son ancien groupe derrières quelques coups de manches bien torchés, disto rugueuse et aggressive. Le morceau suivant (notamment) qui s'intitule Drifting suggère une forme proto-prog de pop subtile, limite cabaret jazz, dans lequel Nicky Hopkins met tout son groove en oeuvre. Planant. Dans un style limite progressif aussi, If you choose to sur la seconde face, bien que plus rock, met encore à l'honneur le talent de Nicky.

Dans un style plus familer du taulier, Indians et I grow higher sonnent bien plus blues et rock, avec de nombreux breaks, ponts et autres subtilités qui font de cet album tout entier un disque proto-prog sans délaisser le blues de l'homme ! Deux titres réussis qui finissent dans des jams et des expérimentations sonores un peu longuettes et déroutantes, mais pas dénuées d'intérêt créatif. On arrive ensuite au vrai joyau de l'album, le titre éponyme qui ouvre la face B, blues tortueux qui mise sur la guitare savante et néanmoins généreuse de Leigh Stephens ; une brise de psychédélisme californien souffle sur la Tamise et nous emporte durant un peu plus de 3 minutes dans un trip embrumé. Une pure réussite.

La fin de l'album, les deux derniers titres donc, qui sont Joannie Mann et Chicken pot pie, ouvrent la porte à une expérimentation destructurante, toujours autour du blues, auquel le groupe intègre les éléments qui ornent le reste de l'album, pop progressive, guitares saturées, mélodies dégringolantes et breaks psyché. Le premier des deux fait limite penser à une version sous acid de morceaux stoniens période Beggars banquet ou Let it bleed, pendant que le second s'apparente carrément à une jam entre le Jeff Beck Group et les Beatles (surtout pour les arrangements).

Il existe apparement 3 éditions originales (minimum) de Red Weather, une américaine PHS 600-294, une anglaise SBL 7897, et une sud-africaine PST 5107. Pour une raison que je ne m'explique pas (!!) c'est cette dernière, moins courante, que j'ai dégotté chez un hollandais l'an passé... Malheureusement la pochette a un peu morflé, bien ridée et jaunie ; mérite un brave VG-. Le disque quand à lui a aussi subi les outrages du temps. Il présente de vilaines rayures de surface, craque par endroits mais ne saute pas. Un bon VG-/VG quand même, mais du coup il perd les 2/3 de sa valeur qu'on peut estimer aux alentours de 100 ou 120 euro en bon état. Celui que je présente vaudra bien néanmoins dans les 35 ou 40 euro. À noter la réedition LP par Akarma de 2005 (qui fait habituellement du bon boulot...)

2008-12-07T07:01:00.001-08:00

Henri Texier - Varech (1977, Eurodisc 913.087)

Henri Texier est bassiste/contrebassiste de formation jazz : il a contribué dans les années 60 à l'émergence du free-jazz et du jazz-bop en Europe après avoir dès son plus jeune âge accompagné des musiciens comme Lee Konitz, Dexter Gordon, Booker Ervin, Art Farmer etc.

Au début des années 70 il se lance dans la découverte de nouveaux instruments et particulièrement des percussions de styles folkloriques internationaux, et d'instuments à cordes désuets. Il sera notamment membre du mythique Total Issue (un LP qui ferait bien sur mes étagères...) et accompagne ainsi de nombreux artistes francophones tels que Catherine Ribeiro, et participe en parallèle à de nombreux projets plus avant-gardistes avec Didier Lockwood notamment.

Ce disque sorti en 1977 est son second album solo qu'il réalise à 100%, après Amir sorti l'année précédente ; Amir fut le laboratoire expérimental qui permit à Henri Texier d'élaborer ce bijou de jazz scat, imbibé d'ambiances folkloriques africaines et moyennes orientales, de flûtes andines et de persussions siams. Son jeu de contrebasse a quelque chose de bestial, d'instinctif et de parfaitement inimitable.

Les titres s'enchainent et nous transportent au gré des sonorités, nous fait visiter le monde au rythme des infrassons de ses instruments. Un disque fondamental des trips new age et world music qui verront le jour dans les 80's à n'en point douter ! On a peine à croire qu'avec ses allures de bûcheron franc-comtois, ce musicien parisien puisse nous émouvoir autant, au rythme des bombardes et autres ouds, et des choeurs sacerdotaux empreints d'un folklore bigarré et multiracial !

je ne me séparerais jamais de cette galette...

le disque que je vous présente (désolé pour les photos...) est pressé en 77 et sorti chez Eurodisc, distribué par WEA. La pochette et le disque sont EX et la cote de ce "truc" avoisine les 25 euro (plus à en croire nos amis de Popsike...)

si le matériel me le permet, je vous en ferais un rip !

2008-08-23T08:57:00.000-07:00

Linn County - Proud Flesh Soothseer (1968, Mercury SR-61181)

Évidemment cet album est un monument sinon je n'en parlerais pas (modestie...). Pour être plus objectif, je pense que cet album est une fois de plus une pierre angulaire essentielle entre les décennies 60 et 70 : il faut vous le procurer, par n'importe quel moyen !

Le groupe se forme dans l'Iowa en 1967 sous le nom de Linn County Blues Band, puisqu'ils sont originaires du Conté de Linn, et qu'ils sont un groupe de blues...imparable... Ils émigrent vers San Francisco l'année suivante et deviennent Linn County; ils signent pour Mercury et sortent dans la foulée leur premier album qui demeure à mon goût le meilleur (je n'ai découvert le troisième que récemment, dommage). Le line-up se compose de Stephen Miller (orgue, chant), Larry Easter (saxo, flûte), Dino Long (basse), Fred Walk (guitare, sitar) et Ray 'Snake' Mc Andrew (batterie).

Cet album vaut surtout le détour par sa diversité et son originalité dans l'interprétation; c'est un mélange subtil de soul/blues et de rock psychédélique, bourré d'orgues vibrants, de flûtes badines et de guitares accrocheuses. La reprise audacieuse du Think de James Brown qui ouvre l'album est une synthèse intéressante de ce que sait faire ce groupe. Le titre suivant flirte plus volontiers vers une forme d'avant-garde à la sauce jazz, sans perdre de son enrobage psychédélique, un peu comme si Jean Luc Ponty jouait avec le Grateful Dead ! La fin de la première face reste très orientée avant-garde avec une flûte et un saxo omniprésents, surnageant hors d'une composition d'honnête facture, toujours entre soul, blues et rock psychédélique.

Le morceau de bravoure de la seconde face s'intitule Protect and serve/Bad Things, il dure plus de 14 minutes. Toujours très proche de la soul avec ses cuivres, il nous propose un interlude free-jazz baroque/rococo dans un style proche des Mothers of Invention; le morceau vire blues à la façon du Paul Butterfield Blues Band, sans négliger les parties de saxo à la façon du Chicago blues de la fin des 60's. L'enchainement avec Fast days, un titre finalement assez dansant toujours bourré de groove, démontre encore l'étendue des capacités techniques et de l'aura artistique de ce groupe à redécouvrir; le finish rappelle une fois de plus le gang de Zappa...

Le pressage qui orne mes étagères est un Mercury US qui frôle le VG+ niveau pochette (léger ring et un accroc sur la tranche) alors que l'intérieur du gatefold est NM, bien brillant. Le disque est heureusement quant à lui NM (un vrai, pas une rayure visible, par un souffle !) et c'est un vrai régal sur la platine !!

Pour continuer mes esquisses de cotation, je lui donnerais bien une valeur de 40€ en très bon état; disons que mon exemplaire en vaut bien 30, surtout pour la galette qui est superbe ! Et le 'cover art' - comme disent les cousins amerloques - est juste sublime !

2008-05-17T00:31:00.000-07:00

Kraan - Kraan (1972, Spiegelei 28778-9)

Petit retour dans la sphère kraut avec le premier très bon album de Kraan sorti en 1972 dans un superbe écrin coloré. Ce groupe allemand formé 2 ans plus tôt dans la région de Stuttgart joue une forme assez rythmée de jazz/rock germanique typique du début des 70's, qui lorgne beaucoup sur la funk avec une rythmique puissante, ou sur un rock plutôt heavy avec une guitare saturée omniprésente. Il est composé de Peter Wolbrandt (guitare, vocaux) Helmut Hattler (basse) Johannes A. Pappert (saxo, percus) Romi (Orgue) et Jan Fride (batterie, congas).

C'est une forme musicale assez proche finalement des artistes ou groupes de la même période issus de la scène de Chicago, tels que The Flock ou parfois le Butterfield Blues Band dans une version plus space-rock. On peut tenter de le rapprocher de groupes tels que Embryo ou Xhol. Le groupe intègre qui plus est dans leur musique quelques effets electroniques ainsi que des ambiances et des sonorités moyent-orientales : une sorte de world musique tendance heavy jazz/rock quoi, qui n'est parfois pas sans rappeler Amon Düül (le 2ème du nom) !

La première face ouvre avec Sarah's Ritt durch den Schwarzwald sur des effets électroniques façon Hawkwind avant d'enchainer avec un riff de guitare galopant qui revient et se répète entre les éclats de basses et les giclées de saxo ; la voix est rare, perchée, plus instrumentale qu'anecdotique. Sur M. C. Escher, l'orgue de Romi fait une apparition notable, la guitare arabise un ou deux ponts à l'image de certains titres du E=MH² de Clark-Hutchinson ; mais c'est le saxo qui prédomine dans les parties les plus mélodiques. Dernier morceau de la face, Kraan arabia joue la carte de l'orient à fond les manettes. Le morceau démarre sur des syncopes de congas qui évoquent Sympathy for the Devil, puis la basse roule, la guitare arpège des mélopées de harem, avant que le saxo ne nous emmène survoler le détroit de Bosphore. Le jam s'installe, le rythme s'accelère, le funk devient maitre des lieux mais le rock guète et le jazz surveille tout celà d'un oeil circonspect. Le morceau s'interrompt, une basse lourde maintient l'oreille écarquillée, le temps de reprendre ses esprits, de reposer les pieds sur l'asphalte - ou le plancher des bêtes à cornes - et le jam redémarre comme ça avait commencé presque 10 minutes auparavant : congas, basse, etc. avant de nous libérer inévitablement de son emprise.

La face b est un long jam de plus de 18 minutes, Head, fait de guitares reptiliennes comme les jouaient John Cippolina, de percus tribales féroces, d'envolées vocales mélant la fragilité de Bowie et l'allegro de Ian Gillan, de saxo provocateurs et dépaysants ; les rythmes se cassent, la batterie ondule et roule comme les hanches d'une danseuse, la basse est lubrique, presque indescente, les fumées de narguilés embrument la vision et l'esprit, et le morceau s'achève dans la violence de la montée d'endorphines... s'ensuit le titre qui clot l'album, Sarah auf der Gänswies, deux minutes de guitares cinglantes et mélodieuses, le temps que les vapeurs du Hammam se dissipent et que l'on constate que tout ceci n'était qu'une - inoubliable - illusion.

L'édition qui orne mes étagères est le Spiegelei allemand sorti en 1972, avec son oeuf au plat sur le label (graphiquement très sympatique) et la pochette est EX, alors que le disque VG+ (quelques marques visuelles). Je l'estime assez sobrement autour de 40 euro, étant donné le bon état de la bestiole.

A noter la bonne tenue des albums suivants, et le virage jazz/fusion sur l'album Let it out sorti en 1975, succès modéré aux US.

chronique et liens ici

2008-05-03T07:40:00.000-07:00

Melody - Come Fly With Me (1976, Tapioca 10013)

Voilà de quoi réjouir les fans de bon rock progressif ! Melody est un groupe français qui sort un unique album sur le label Pôle en 1976, label racheté par Tapioca l'année suivante. Le groupe est composé de Gérard Batrya (basse) Didier Dupard (claviers) Patrick Frehner (chant, percussions) Jean-Luc L'Hermitte (chant, guitare) Phil Louvet (batterie, percussions) et la chanteuse américaine Diana Chase. C'est Philippe Besombes himself qui les signe en 1975 et dirige l'enregistrement de l'album, qui, mixage compris, "s'étale" sur 2 jours, les 12 et 13 novembre 1975. Le disque sort sur le label Pôle de Besombes sous la référence 0013 en 1976, et quelques moi après chez Tapioca.

L'album est un excellent compromis de pop destructurée et de rock progressif, à la façon de Ange ou de Atoll à la même époque ; on décèle des influences Floydiennes sur certains titres, et d'autres plus proches des claviers endiablés de Keith Emerson sur Tarkus, ou le coté heavy du Lizard de King Crimson. A noter que l'intégralité de l'album est chanté en anglais.

L'album ouvre avec Merry Go Round sur une basse angoissante, prenante aux tripes, et explose littéralement grâce aux claviers et une guitare piquante ! puis s'est une accalmie, la voix cristalline de Diana Chase entonne une mélodie vaporeuse, la guitare reprend de plus belle sur des breaks de basse, la batterie accompagne lourdement. Les ambiances se succèdent, destabilisantes, les rythmiques sont lourdes, les mélodies aériennes, le rock progressif dans toute sa splendeur ; jamais sobre à l'envie, jamais explosif à l'éxcès ! superbe. Avec Run Faster, le space rock floydien des année 75/77 s'installe ensuite, claviers permanents, une impression que le ciel s'assombrit, puis la rtyhmique redémarre, puissante, exacerbée. Le plus étonnant est l'impression de rapidité à laquelle s'écoulent les morceaux ! Le dernier titre de la face A (dejà) ouvre avec la voix éthérée de Diana Chase sur un élan funky et mélodieux, à la rythmique toujours puissante et pourtant virevoltante : la formation jazzy de Gérard Byatra y est fatalement pour quelque-chose... Death Rebirth, la renaissance, la mort, une voix intrigante, un morceau ponctué par des claviers subtils, des cassures de rythme ; une invitation à la reflexion.

La face B ouvre sur air de cathédral, un ersatz de Gloria violent, entonné par Patrick Frehner, interrompu une fois de plus par un break qui s'échappe sur une mélodie : les claviers reprennent la barre, la rythmique accompagne. La guitare tatonne, un orgue de messe coupe la fuite en avant du morceau... Viens Voler avec moi est le seul morceau dont le titre est en français. La voix de Diana Chase se fait plus soul sur l'ouverture de Proverbs, mais la machine redémarre illico. Les titres s'enchainent sans interruption, Roll Around the Clouds puis When I'm Afraid I Sing a Song alternent les chevauchées de claviers et les ralentissements mélodieux. Ce dernier titre annonce le travail de Pink Floyd sur Animals, ce subtil et ambigu mélange de légèreté et de noirceur pesante. Les percus sont aggressives, les voix entêtantes et sacerdotales ; on croit assister à une messe noire corrompue, une lutte incessante entre le Bien et le Mal. Yesterlife, titre plus court mais tout aussi rythmé est un autre superbe exemple de breaks de percus et de batteries, au service des guitares syncopées et des claviers bondissants. Le trip se conclue par une montée de claviers et de batterie à travers la voie lactée...

Je vous ai laissé quelques photos de l'édition sortie chez Tapioca en 1976 sous la référence 10013 ; à noter l'incongruité de ce pressage, qui semble être plus largement diffusé avec une erreur de pressage que "sain". je m'explique brièvement : c'est en achetant l'album Smooth Sick Light de Mahogany Brain que j'ai découvert Melody, puisque les faces B des 2 albums ont été interverties... pas de surcôte énorme envisageable au vue du fait que la version "saine" semble plus rare que la version misprint !

Pas de cotation très franche sur le net, je dirais que la diffusion relative de ce LP le place dans une fourchette de cotation allant de 30 à 50 euro en fonction de l'état de l'ensemble (chez moi c'est du EX/EX).

Et nouveauté sur le blog, l'album est accessible, caché dans le titre de l'article (un bon vieux rip de vinyl) la qualité est assez médiocre, mon matos y est pour quelque-chose, mais le mixage de l'album n'est pas totalement mis hors de cause !

2008-04-12T12:36:00.000-07:00

William Truckaway - Breakaway (1971, Warner K 44165)

Si vous cherchez des informations sur William Truckaway, vous allez vite découvrir que ce beau barbu se dissimule derrière un pseudonyme; son vrai nom étant Sievers. Parlons donc de William Sievers ! William Sievers est guitariste chez Sopwith Camel en 1967, et il participe donc à l'enregistrement de leur album éponyme. Sopwith Camel est le second groupe de la Bay à signer un contrat avec une major après les Grateful Dead, et ils jouissent d'une extrême popularité : ils jouent un style proche des Lovin' Spoonful, fait de pop subtile et fleurie (et enfumée d'ailleurs) et d'un mélange de folk psychédélique ou désuet.

Finalement, les nombreuses frustrations individuelles auront raison du groupe et les membres se séparent. William Sievers se tourne vers la production tout en continuant à participer à quelques sessions de ça, de là ; il jouera notamment quelques plans de synthé sur "Oh ! Pleasant hope" de Blue Cheer en 71. Cette même année, il enregistre son unique album solo, Breakaway pour Warner, produit par Erik Jacobsen, une vieille connaissance de la période Sopwith Camel.

Son album est donc vaguement dans la lignée des années Sopwith Camel, l'insouciance en moins et la technique en plus. Les amateurs de blues-rock spontané et animal détesteront (je préfère prévenir). La production est assez classieuse, les plans de gratte ou les synthés sont très clean, et tout est overdubbé. A noter la participation à l'enregistrement du batteur de Sopwith Camel, Norman Mayell, ainsi que Terry Dolan à la 12 cordes (futur Terry and the pirates) sur le titre I go slow.

C'est le titre Breakaway qui ouvre l'album, guitare à forte reverb et synthé, vibrato à fond. C'est une ballade pop/folk dans un style bal de foire dans l'Oklahoma ou le Kansas. Étrangement, ce titre sonne presque années 80. Les titres suivants Hard, cold, city life et Way to my heart virent franchement country avec l'harmonica et la slide débrayée au max ! ça rappelle Poco dans les années qui suivront. Send me some prend une tournure beaucoup plus pop, et l'ajout de choeurs subtils et de percus anodines, de même que cette flûte guillerette, font sautiller de joie; une joie enfantine et rassérénante. La première face s'achève sur un nouveau morceau aux contours country/pop, beaucoup de reverb et des refrains qui vous font remuer les éperons ! Et pour couronner le tout, un petit plan de violon vient achever le titre (et l'auditeur, non je blague)

La seconde face ouvre sur un morceau de pop rythmé, piano et batterie en quiconce, se calant l'un sur l'autre; un petit coté Elton John des débuts assez surprenant, accompagné de choeurs enjoleurs. I go slow qui suit étonne aussi, avec sa sitar et ses percu afro/indiennes. La voix de Sievers, d'abord rauque se fait suave pour mieux se fondre dans le tempo lent du morceau. On continue le tour du monde pop avec Where's my baby et son pizzicato de violon façon orchestre slave, ses mélodies "Lennoniennes" et ses couplets enlevés. Ce titre sonne franchement moderne par rapport au reste de l'album : une pépite à l'état brut ! Soundaround poursuit sur un genre de world et de country, un piano et un phrasé de western, un titre de folklore acadien qui surprend et qui laisse perplexe tant il semble là pour déranger : il dure 2 minutes 17 secondes et se conclue par un solo de guimbarde !! Bluegreens, le single qui a précédé la sortie de l'album (et qui a connu un certain succès en France) ressemble étrangement à un morceau des Beach Boys qui se parodieraient; une rythmique surf, des clap-clap, des choeurs féminins et des sha-la-la, un coup de Moog pour dérouter l'auditeur... une parodie, mais plutôt entrainante, basée selon l'auteur sur la philosophie de vie inspirée par Winnie the Pooh (himself). L'album s'achève sur une adaptation country/pop, voire même un peu gospel, du traditionnel Leave it there; Un coté Lynyrd Skynyrd à la cool pas forcément déplaisant.

C'est un pressage US qui tourne sur ma platine, et comme vous pouvez le constater, c'est Reprise qui distribue le disque. Il est NM (disque et pochette) et pourtant je ne m'aventure guère à ce genre d'évaluation; mais là, c'est sidérant : pas une ride, pas une égratignure, le label rutile !! bon, il est plus que nickel.
l'album n'est pas fulgurant, surement pas indispensable, mais tout de même intéressant - surtout pour sa deuxième face déroutante - et cote plus par sa relative rareté que pour son intérêt musical. Très peu de traces de ventes de cet album, sinon sur des plateformes genre ebay (tantôt 10£, tantôt 30£) ou CDandLP, à des prix de la même envergure.

Moi je lui attribue une cote de 20 euro parce que je l'aime bien et qu'il est comme neuf, mais les estimations de disques... c'est pas ma spécialité, même si je m'y essaye !

à écouter, la face B de l'album (cachée dans le titre de l'article ;-)

2008-03-29T03:47:00.000-07:00

Power of Zeus - The Gospel According To Zeus (Rare Earth, RS-512, 1970)

Je sais ce que vous allez vous dire : "ce type est resté bloqué en 1970..." et vous auriez raison, mais qui oserait me jeter la pierre ! les années 1969/70 sont je pense les plus créatives de la période emblématique des 60's et 70's.
Je m'explique : en 1969 le rêve hippie a sévèrement pris du plomb dans l'aile, le psychédélisme se tasse et musicalement, le rock devient heavy et progressif. C'est au tournant des années 70 que tous les styles fondamentaux du rock s'amalgament.

Avec Power of Zeus, on revient dans cette region froide mais fertile du midwest US où poussent le blé et les superbes galettes mieux qu'ailleurs. Le groupe s'appelle Gangrène à sa création en 1968, il est formé à Détroit par Joe Periano (guitare/chant), Bill Jones (basse/chant), Bob Michalski (percu) et Dennie Weber (claviers). Après avoir fréquenté les clubs de la région, s'être momentanément installés au Wooden Nickel Club, ils signent chez Rare Earth (Motown) à condition de changer de nom; c'est donc en tant que Power of Zeus qu'ils enregistrent leur unique album en 1970.

Les influences du groupe sont facilement identifiables et se trouvent dans la continuité du british heavy-rock comme Black Sabbath ou Led Zeppelin, voire Deep Purple ou Hawkwind. Leur manque de succès semble surtout reposer sur le peu de compétence dont fait preuve un label comme Motown à promouvoir des disques heavy.

C'est l'orgue qui domine l'album, et répond efficacement à la guitare de Joe Periano. Le morceau d'ouverture It couldn't be me donne le ton, avec ses soli survoltés et les envolées vocales de Periano, dans un style très proche de Deep Purple en plus bluesy. In the night démarre sur les mêmes rythmes avant de virer sensiblement freakbeat avec un tambourin et une caisse claire atypique du heavy-rock, puis apparait l'orgue qui joue un pont limite baroque avant de relancer la machine !

Green grass & clover ralenti le tempo avec son Hammond façon Moody Blues et la frénésie reprend avec I lost my love et des percu samba l'espace d'une accélération. The death trip clos la face 1 dans une ambiance sombre assez lourde, évoquant un Black Sabbath les choeurs en plus, se fondant dans les graves sous les martellements de la basse de Bill Jones. Un orgue de cathédrale élève le morceau vers des sphères vaporeuses avant qu'il ne replonge six pieds sous terre dans un style douceret de pop baroque éloquent, accompagné des déclamations sacerdotales de Periano, qui repète inlassablement le refrain, ponctué d'un glas funeste.

La seconde face démarre dans un ton heavy-blues avec No time puis enchaine sur un morceau plus lent et mélancolique, Uncertain destination, où la guitare bourrée de reverb' souligne la puissance vocale de Periano, avant de virer psyché, tripatouillant de ça de là, accompagnée par un orgue résonnant comme un clavecin, puis de reprendre un blues heavy à la façon de Clapton avec Cream. Realization poursuit dans le blues/claviers, recèle d'un solo bouillant, envoies des breaks et des accélérations intenses, avant de laisser la place à Hard working man, plus typé blues midwest, avec sa touche de boogie et son solo acidulé.

Enfin, un coup de gong ouvre le morceau final, The sorcerer of Isis, qui s'annonce franchement psychédelique : guitare lancinante, voix incantatoire, Hammond qui fuse. Le solo d'une minute assez calqué sur un morceau d'Hendrix est suivi d'un passage expérimental composé de bruitages totalement incohérent, puis le morceau reprend comme il avait commencé, étrange, psychédelique, presque dérangeant. Les guitares vénéneuses reprennent et finissent par se noyer dans le fade out qui clos l'album.

C'est le pressage US original que je vous présente aujourd'hui, avec son superbe label Rare Earth rouge vif. La pochette est en bon état (VG+) avec quelques "rides" dues à son âge avancé, ni trous ni déchirures. Le disque quant à lui est également VG+, et aurait mérité EX si le label n'avait pas quelques traces.

Niveau cotation, ce disque a longtemps été très convoité avant qu'Internet ne permette aux collectionneurs d'en voir passer des dizaines chaque semaines sur ebay, CdandLP ou d'autres plateformes de vente en ligne. Je ne vous dirais pas combien il m'a couté, mais il doit coter dans cet état aux alentours de 50 ou 60 euro. A voir.

2008-01-10T00:46:00.000-08:00

Frijid Pink - Frijid Pink (Deram SML 1062, 1970)

Décidemment, j'ai une attirance particulière pour l'année 1970, je vais en parler à mon psy !! peut être est-ce dû à la qualité des groupes qui émergent à cette date...

Frijid Pink est un groupe de la banlieue de Détroit formé en 1967 ; ils tournent dans les petits clubs jusqu'en 1969, année où ils signent chez Parrot (filiale de Decca/London) et sortent leur succès, une reprise du célèbre "House of the rising sun". Ils en vendent tellement que le SP atteint la 7ème place du Billboard US, et le groupe est propulsé super-star locale. Dorénavant, ils seront les têtes d'affiche (Les New Yardbrids, futurs Led Zeppelin ouvrant même pour eux) et vont multiplier les festivals en compagnie du MC5, de SRC ou autres The Frost ou Amboy Dukes.

Toute cette scène du Michigan est une synthèse géniale des influences rock qui bercent les US à cette époque et des rythmes traditionnels du Middle-West, à savoir un psychédélisme sonnant assez heavy, marié à un boogie ou un blues-rock chaleureux.

Le LP ouvre sur "God gave me you", une sorte de ballade du genre love-song hard-rock, qui peut décevoir si on ne prend pas la peine d'attendre le second titre ! dès le début de la seconde plage, la guitare crache les notes et la batterie impose le rythme. Les titres deviennent alors incroyablement dansants, la voix est perchée et puissante, l'harmonica enrobe le tout d'harmonies superbes. "Drivin' blues" sonne très Canned Heat, un boogie-blues péchu, et enchaine sur "Tell me why" titre court qui cloture la face 1 dans une ambiance assez heavy, et une guitare saturée qui rappelle celle des Kinks.

La seconde face ouvre sur un riff de folie : comme un train à vapeur qui traverse les plaines du Michigan, "End of the line" fracasse les tympans et crache une fumée noire à effrayer tous les diables (le titre est sorti en SP, face B de "Sing a song for freedom", Deram DM 309). Arrive alors le titre qui a consacré le groupe, la reprise de "House of the rising sun", dont la version surclasse aisément celle des Animals : méconnaissable aux premières notes, le morceau conserve ces nuances heavy et boogie-blues qui caractérise tout l'album. Mémorable ! "I want to be your lover" évoque parfois Jefferson Airplane (le refrain rappelle "It's no secret" ou "The ballad ou you and me and pooneil") et malgré un solo de percus assez éprouvant et pas franchement justifié, le blues-rock est encore efficace. L'album s'achève sur un blues plus lent qui n'est pas indispensable...

Ce disque est sans conteste à placer dans toute discothèque rock idéale (genre d'utopie individualiste, j'en conviens) : même si les musiciens ne sont pas des virtuoses, cet album est comme je le disais en intro une synthèse géniale des influences psyché et heavy de toute l'amérique en 1970 et des courants locaux très typés boogie-blues, le tout conduit par une guitare saturée captivante et vibrante.

L'édition que je vous présente est la version française publiée par Deram, réf SML-R 1062, publiée en 1970 : l'état de la pochette est VG+ et celle du disque EX. Il vaut une petite cote de 50 euro et comme d'habitude, la fourchette varie beaucoup (comment être objectif ?) mais il est essentiel.

A noter quelques particularités : tous les titres (exceptés "House of the rising sun") sont des compositions du groupe, et contrairement à certains track-listings trouvés sur le net, le LP ne contient que 9 titres, les 2 souvent rapportés ("Heartbreak hotel" et "Music for the people") étant des SP adjoints aux nombreuses réeditions CD.

2007-12-01T03:31:00.000-08:00

Popol Vuh - Einsjäger & Siebenjäger (Ohr Musik, 1974)

Voilà encore un petit joyau de kraut que le grand public méconnait : Popol Vuh est plus réputé pour d'autres albums comme In Den Gärten Pharaos, ou encore Hosianna Mantra. Des débuts en 1970 et des collaborations avec des musiciens de l'Amon Düül, il reste pour cet album l'innamovible Florian Fricke, fondateur du groupe, et Daniel Fichelscher qui oeuvrait auparavant aux percu chez (bien sur) Amon Düül II, et participa entre autre à l'enregistrement du second album de Gila, Bury My Heart At Wounded Knee, groupe de son prédécesseur Connie Veit (vous me suivez ?).

A tout bien réfléchir, Einsjäger & Sienbenjäger n'est pas à proprement parler un disque de kraut ; il est nettement plus orienté sur des mélodies élaborées, où la guitare de Fichelscher domine, dans un style proche de celui de Dave Gilmour. La face 1 est intégralement instrumentale et ouvre sur un morceau aux inlfuences manifestement issues du folklore asiatique ou moyen-oriental (ou celte ??). La succession des titres évoque un jam entrecoupé aux rythmes variés, aux mélodies sophistiquées, raffinées, où le piano a remplacé le Moog traditionnel et les cymbales sont les percu principales. La dénomination kosmische musik ou space music serait nettement plus appropriée tant on semble léviter sur les airs épurés de piano et leur écho de guitares planantes.

La face 2 quant à elle est constituée d'un seul et même morceau long de 19'30 toujours dans un style planant, entre guitare et piano se répondant, et en alternant les envolées et les retombées de tempo. A noter l'apparition vocale (?) de Djong Yun, deja présente sur certains albums précédents de Popol Vuh. Le titre mystérieux de l'album Einsjäger und Siebenjäger (littéralement "1 chasseur et 7 chasseurs") est également celui de ce morceau colossal : a-t-il un rapport avec l'illustration de la pochette représentant un guerrier chinois armé d'un arc, sur une estampe traditionnelle ?

Cet album se révèle presque un ouvrage intimiste, d'une facture soft étrangement éloignée des créations germaniques de l'époque. On décèle des ambiances parfois intrigantes comme les construit la même année Mike Oldfield sur Hergest Ridge, et on s'éloigne franchement du minimalisme que développent alors des groupes comme Kraftwerk avec Autobahn ou Tangerine Dream avec Rubycon l'année suivante. C'est probablement l'utilisation du piano à la place du synthé qui apporte cette particularité et donne son coté optimiste à l'album en opposition à la perception nihiliste qui ressort de l'écoute des groupes allemands pré-cités : on ne ressent dans cet album aucune aggressivité, aucune brutalité, aucun angle aigu, tout est rond, ethéré, voluptueux et léger, mouvant et fragile.

Je vous présente le pressage français de l'album sorti en 1975 par Cosmic Music et distribué en France par Barclay sous le numéro 840 081. Mon exemplaire est en excellent état, tant le disque VG+ que la pochette qui est franchement EX (brillante, égratignures minimes aux angles). Au gré des prix pratiqués sur le net et ceux de popsike, j'évalue celui-ci aux alentours de 25 ou 30 euro.

PS : désolé pour la qualité de la photo, la saison n'étant pas très ensoleillée et le flash trop agressif, je n'ai pu en tirer de meilleure...

2007-11-05T05:38:00.000-08:00

John McLaughlin - Devotion (1970, Douglas 500 011)

Pour son second LP solo, John McLaughlin se lache franchement !! alors qu'Extrapolation (1969) tire franchement sur le jazz et lorgne un peu sur les musiques latines, Devotion est une compilation de styles en vogue à la fin des sixties. Pas encore dans son trip Harekrishna, McLaughlin explore la soul, le blues, le hard-rock, le rock progressif dans une ambiance de psychédélisme prenante.

Outre l'apport crucial de Buddy Miles et de Billy Rich, section rythmique du Buddy Miles Express, c'est l'orgue de Larry Young qui donne sa dimension à cet album de McLaughlin, sur la première partie notamment. Les deux se connaissent parfaitement car ils fondent le Tony Williams Lifetime en 1969 (avec bien sur Tony Williams), power trio orienté vers la soul-jazz et l'avant garde. Son jeu de Hammond amène la touche soul qui rend ce disque inégalé dans la carrière de John McLaughlin.

Le titre éponyme est une merveille de créativité, et résume à lui seul le sublime de l'album, en compilant en 11'25 tous les styles deja cités : jazz, soul, blues, hard-rock, etc. Ce morceau m'inspire un voyage au dessus d'un monde en éruption, où tout se transforme en laissant une étrange impression que rien ne sera pareil par la suite. Le jam le plus halluciné de la discographie (très profonde) de McLaughlin.

La suite se passe de commentaires, tout découle de l'ouverture et semble évident et limpide : Marbles qui ouvre la face 2 préfigure la collaboration avec Carlos Santana , Siren est plus ouvertement soul mais bascule dans un rock progressif assez heavy, alors que l'album se clot par une séance de trance avec Purpose of when où John McLaughlin torture le manche de sa guitare dans un long solo étrangement apaisant et rassurant ; comme pour nous indiquer qu'après le survol de ce monde en métamorphose, nous ne devions pas avoir peur... une bien drôle de sensation !

Le pressage que je vous présente est l'édition Douglas qui porte la référence 500 011 sorti en 1970 en France : il est pour ainsi dire comme neuf (disque/label/pochette) et mérite une cote de 20 à 30 euro.

2007-09-28T06:19:00.000-07:00

Junco Partners - Junco Partners (1970, Barclay 920193)

Me revoilà avec une pépite en plastique (fort précieuse néanmoins), qui est l'unique album de Junco Partners. Fondé en 1964 du coté de Manchester, Junco Partners est un groupe mod qui joue dans le background des Animals ; ils ouvraient leurs concerts au "Club A' Gogo" et au "Downbeat Club" notamment. Les membres fondateurs sont Ronnie Barker (vocals, harmonica) John Anderson (vocals) Charlie Harcourt (guitar) Peter Wallis (keyboards) Dave Sproat (bass) et John Woods (drums). Leur premier single As Long As I have You/Take This Hammer (Columbia DB 7665) sort en août 1965 et atteint la 60ème place des charts britaniques.

En 1966, Bob Sargeant remplace Peter Wallis aux claviers, et finira même au chant quand Ronnie Barker et John Anderson quitteront le navire avant l'enregistrement de l'album en 1970. Durant les quatre années qui précèdent cette sortie, le groupe tourne constamment en Grande Bretagne, assurant des premières parties flatteuses comme celles des Who, de Jimi Hendrix, du John Mayall Band ou encore de Rod Stewart et de Jethro Tull. Ils finiront même par accompagner Howlin Wolf et Freddie King dans des tournées mondiales. Après le départ de Sargeant fin 1970, le groupe tourne en trio une année avant de se séparer. Plusieurs reformations ont été conclues entre différents membres du groupe depuis 1977, et ils continuent les tournées encore aujourd'hui.

Finalement orientés vers un rock mélant R'n'B et un style de blue-eyed soul plutôt heavy, leur unique album n'a plus vraiment la touche Mod ou Beat des débuts ; La preuve en est la reprise très standard de Change in Louise (Cocker/Stainton), ou encore du titre très blues traditionnel Am i blue (mais avec quand même un synthé discret, bien présent sur tout les titres). Minotaur, Le titre qui ouvre l'album rappelle un Ten Years After en plus R'n'B, avec ses claviers et son mélange subtil de rock et de blues très rythmé, tout comme le très bon Repreive sur la face 2. La basse est très funky, à écouter en priorité le second morceau Fly me high, qui évoque déjà les prémices du disco. Dans un style plus proche des Who, Help me cloture en beauté la face 1. Pour les curieux, voilà qui les ravira...

Ce disque est donc un pressage français sorti chez Barclay en 1970, à noter qu'il existe un pressage Philips 6308 032 sorti lui en Grande Bretagne et aux États-Unis. La pochette est légèrement cornée dans les angles, mais pas déchirée ni souillée. le disque présente quelques rayures en surface qui n'altèrent pas l'écoute, soit une estimation VG+/VG+ méritée.

Niveau cotation, j'ai vu ce disque en achat sur ebay à 30£, et aussi sur Musicstack à 260$, donc autant dire que la fourchette est plutôt une pelleteuse... merci popsike qui nous donne une moyenne (de tête) de 90 euro. Mais je l'ai vu à 40 en convention, hmm, hmm.

PS : je conseille tout particulièrement cet album à ces chers Vincry et blau_up.

2007-09-10T07:24:00.000-07:00

Virgin Insanity - Illusions Of The Maintenance Man (1971, Funky Records 72411)

Une fois n'est pas coutume, je vous présente une réédition, et vous comprendrez pourquoi quand j'aborderais la partie "cotation"...

Ce disque sonne très acid/folk, tout en guitare accoustique et mélange de voix homme/femme à la façon d'un Jefferson Airplane avec Slick et Balin, ou comme un enfant illégitime de Joni Mitchell et Syd Barrett. Un couple qui vient du Texas est caché derrière cette galette obscure, Bob et Eve Long ; ils ont récemment refait surface, et permis la sortie en CD de morceaux inédits datés entre 1971 et 1973.

On trouve avec cette réédition une page façon "inlay comment", avec une reproduction des dessins naïfs de l'époque. Il faut souligner tout de même que l'original n'a été pressé qu'a 200 exemplaires, et je doute qu'il en subsiste plus de la moitié bien au chaud dans des collections privées.

Le son est très bon, compte tenu des conditions artisanales de l'enregistrement de l'original : à la guerre comme à la guerre, tout avait été enregistré sur 4 pistes dans une salle de bain.

L'édition que je présente est donc la réédition de 2005 sortie par De Stijl, maison de Minnéapolis spécialisée dans l'édition de pressage confidentiels ; elle est naturellement comme neuve avec le label à l'identique de celui de 1971, matrice IND-046 A et B. disons que l'original étant perdu ou plus exactement "hors-catégorie", et considérant que ce pressage n'existe qu'a 500 exemplaires écoulés en quelques jours, je lui donne une cote gentillette de 40 euros.

à écouter un soir de cuite au whiskey avec son chat sur les genoux...

2007-08-24T10:00:00.000-07:00

The Stooges - Fun House (1970, Elektra EKS 74071)

Je ne vous ferais pas l'affront de chroniquer ce disque incontournable des Stooges ; une pierre angulaire de l'histoire du rock, un "must have" incomparable. Si l'on peut débattre de l'intérêt de la courte discographie des Stooges, ou de l'impact de leur musique et de leurs shows, personne ne peut nier que cet album est sacré pour tous les fans de bon rock, qu'on aime ou pas la personnalité d'Iggy et l'histoire du groupe.

Fun House est à la fois la sauvagerie et le raffinement ; Fun House est ce que ne sera jamais un album du MC5 ou de Lou Reed, une astéroïde furibonde qui aggresse les oreilles et l'esprit dans une forme de nihilisme magmatique, tantot avec des guitares fuzzy aux wah-wah miaulants, tantôt avec des saxos fous dégoulinants, le tout enrobant la voix envoutante de l'iguane ; écoutez (ou plutôt réécoutez) Le lanscinant 'Dirt', l'ultraviolent '1970' et le délire bruitiste 'L.A. Blues' si vous n'êtes pas encore convaincu de la portée avant-gardiste et indémodables des Stooges.

Le pressage que je vous présente est l'original français de 1970 avec son label bronze (le "tan label" de Elektra) sous la référence EKS 74071. Le disque a quelques rayures qui ne gènent pas l'écoute et la pochette est en bon état général ; devenu collector, ce pressage (avant le "butterfly label" arrivé en 1971) est une pièce que j'estime a environ 100 euro. je l'ai vu en achat immédiat sur ebay à 185 euro... faut pas pousser !

PS : j'avoue que ce billet sert surtout à publier quelques photos et infos vite fait, parce que le temps me manque en ce moment pour approfondir et vous présenter quelques disques plus rares... bientôt peut être.

2007-08-14T06:53:00.000-07:00

The Electric Prunes - Underground (1967, Reprise RS 6262)

Voici un de mes albums favoris de garage/psyché ; c'est un classique incontournable, de même que leur premier LP "I Had Too Much To Dream (Last Night)" sorti un an auparavant. Une rumeur prétendait que le groupe était originaire de Seattle (comme The Sonics notamment) mais ils sont en fait issus de la scène californienne : le groupe se forme en 1965 dans la San Fernando Valley sous le nom de The Sanctions, puis devient Jim and The Lords, et enfin The Electric Prunes (nom qui n'était au début qu'une blague) mi-1966.

Le groupe acquiert de leur producteur une liberté artistique pour écrire Underground qu'ils ne possédaient pas pour "I Had Too Much..." ; mais deux des membres originaux décident de quitter le navire avant la sortie de l'album. Weasel Spagnola (guitare, remplacé par Mike Gannon) sera crédité sur le disque, mais Preston Ritter (batterie, remplacé par Quint) ne le sera pas...

L'ensemble de l'album est assez sombre, les rythmes parfois lents alourdissent l'effet "dark" du psychédelisme après flower-power ; des morceaux comme "Children Of Rain" ou "Antique Doll" à la poésie obscure l'illustrent bien. "It's Not Fair" ressemble à un morceau des Byrds, tendance slide-guitar, un peu country psyché. "I" fait penser au Velvet Underground, mais globalement la face B est plus speed, avec des titres comme "Dr Do-Good" ou "Long Days Flight" dans un style plus garage-punk.

Voici donc le pressage original US stéréo de 1967, sorti avec le sublime "steamboat" label tricolore de Reprise ; le disque comme la pochette sont en excellent état et je lui donne une petite cote de 40 euro car il assez facile à dénicher sur le net...

2007-08-09T02:32:00.000-07:00

Lew Lewis Reformer - Save The Wail (1979, Stiff Records SEEZ 16)

Attention ce disque donne envie de danser !! si comme moi vos genoux vous font souffrir, assouplissez vous avant de l'écouter...

Quelle agréable surprise ce fut de passer pour la première fois ce LP sur ma platine. A ses débuts en 1976, Lew Lewis joue de l'harmonica chez Eddie & The Hot Rods, un groupe de pub-rock très influencé par le Chicago blues, les Who et les Kinks ; il est débarqué fin 1976 après la sortie de leurs premiers 45. Il monte alors successivement le Lew Lewis Band (n'ayant sorti que deux 45 chez United Artists) et Lew Lewis Reformer, signé chez Stiff pour un LP.

Le disque ouvre sur "Do just what you want", une reprise énergique de James Brown très rock'n'roll et qui rappelle Jerry Lee Lewis. Dans l'ensemble, l'album sonne très pub-rock, power-pop, avec par moment des accents de blues ("High Temperature" reprise de Little Walter Jacobs), de rythmn'n'blues ou de rockabilly ("Mr Bartender") toujours sur des riffs accrocheurs et des solos d'harmonica énormes !!

L'album est globalement partagé entre des compositions de Lew Lewis et des reprises, dont les amateurs apprécieront la bonne facture (le "Hometown Blues" de Tom Petty est de toute beauté !) ; pour l'anecdote, Lew Lewis a braqué un bureau de poste avec un revolver factice en 1987 et a ramassé 7 ans de prison. Il a été vu en 2003 au 'Lee Brilleaux Memorial' pour célébrer les 10 ans de la disparition du leader de Dr Feelgood.

Le LP que je présente est (encore une fois) l'édition française, référence Stiff 940 819, distribué par Barclay. La pochette et le disque sont comme neufs, à croire qu'il n'a jamais été joué et la pochette dépoussiérée quotidiennement : en état NM, je lui attribue une petite cote de 20 euro. Je recommande par ailleurs ce disque à tous les amateurs de bon pub-rock, notamment pour la qualité des reprises et le jeu d'harmonica de Lew Lewis.

2007-08-03T11:53:00.000-07:00

Tommy James & The Shondells - Cellophane Symphony (1969, Roulette SR-42030)

Dans la série "l'album Bubblegum-rock qui n'en est pas un", voici la pièce incontournable (avec 'Hanky Panky' peut être) de l'oeuvre de Tommy James & The Shondells, qui dès la formation du groupe en 1960 jouent une pop mi sunny-mi bubblegum en reprenant des tubes des 50's et signe en 66 chez Roulette. Entre 1966 et 1969, ils signent 14 hits dans le top 40 du Billboard, et vendent même aux US plus de 45 tours que les Beatles en 1968/69. Le groupe devait se produire à Woodstock, mais leur manager qui prévoyait un fiasco dans un bled de bouseux refusa de les y envoyer... on ne peut pas dire que ce gars ai eu le nez creux. Une "légende urbaine" prétendait que 'Cellophane Symphony' était le premier enregistrement musical sur lequel on pouvait entendre un Moog, légende vite démontée par certains mélomanes ou amateurs de ce modèle de synthé.

Cet album sonne plus expérimental que les précédents du groupe (notamment sur le titre éponyme qui est la pièce maitresse de l'album et qui rappelle les premiers Pink Floyd !) ; c'est le succès de 'Crimson & Clover' sorti début 1969 qui a permis à Tommy James de s'aventurer dans une expérimentation musicale. Cette tournure artistique a choqué certains fans, alors que la plupart des titres du groupe étaient auparavant signés par des auteurs/producteurs (Dont Joey Levine et Richie Cordell précedemment cités, le dernier ayant encore largement contribué à l'écriture de 'Cellophane Symphony'). Le reste de l'album est tout de même nettement plus pop, avec parfois des ambiances cajun ou country (Papa Rolled His Own, I Know Who I Am), de soul enrobée de chorus féminins qui rappelle Marvin Gaye à la Motown (Loved One), ainsi qu'une superbe balade (Evergreen).

Voici donc le pressage français avec sa pochette en saturation de noir et de blanc sorti en 1969 chez Roulette sous la référence SLVLXR.417 et distribué par Vogue (qui "dealait" pas mal de bons albums cela dit en passant). A part un nom au dos et une légère déchirure sur la tranche, la pochette est belle et mérite une cote VG ; le disque qui présente quelques rayures d'usage sans incidence sur l'écoute mérite lui un VG+. Il cote probablement entre 50 et 70 euro en excellent état. Pour le découvrir, en téléchargement ici (password: Liverpool).

2007-07-31T13:41:00.001-07:00

Crazy Elephant - Crazy Elephant (1969, Bell 6034)

Encore le seul album (qui n'en est pas un) d'un groupe (qui n'en est pas un non plus) sans lendemain, monté de toute pièce par des producteurs de musique ; Le couple Jerry Kasenetz/Jeff Katz construit autour de Robert Spencer (ex-Cadillacs) le groupe Crazy Elephant pour lequel ils ecrivent une série de titres. En 1968 et 1969 le groupe sort une demi-douzaine de singles, dont le plus connu "Gimme Gimme Good Lovin' " (signé Joey Levine et Richie Cordell) atteint la 12ème place au billboard US en Mai 1969.

C'est d'après certains sites un des meilleurs albums de Bubblegum-rock de l'époque, mais il ne sonne pas franchement Bubblegum ; il mélange plutôt l'acid, la pop et un peu de hard rock dans des ambiances parfois baroques ; La reprise du "Respect" de Otis Redding rappelle tour à tour Vanilla Fudge ou la Holding Company. En 1970, le groupe est dissout car Bell ne veut pas renouveler leur contrat, après avoir compilé leurs singles en un unique LP éponyme sorti fin 1969.

Le disque ici présenté est le pressage français sorti en 1969 et distribué par Pathé/EMI sous la référence 2 c 062-90564. La pochette est en excellent état ainsi que le disque qui n'a pas de grosse rayure (son impeccable). Sa rareté (vu son échec commercial) m'indique une valeur dans cet état d'environ 50 euro. Un bon rip de vinyl (mais pas le mien) disponible en téléchargement ici.

2007-07-21T08:13:00.001-07:00

Lokomotive Kreuzberg - Fette Jahre (1975, Pläne LDX 74583)

Je remercie par avance les personnes qui pourront m'en apprendre sur ce groupe... c'est d'ailleurs pour cette raison que j'ai ouvert ce blog, pour m'instruire en éspérant que des connaisseurs se manifestent !! les infos sont rares sur le net concernant ce groupe allemand (ou en allemand et je ne le parle pas...).

On apprend sur le wikipédia allemand (traduction de reverso.net rectifiée par moi) :

Le "Polit-Rock-Kabarett" groupe Locomotive Kreuzberg est fondé au début de 1972 à Berlin. Jusqu'à leur séparation fin 1977, le groupe a connu de nombreuses modifications. Après la fin du groupe, le membre fondateur Andreas Brauer restait actif comme parolier, trois autres membres du groupe (Herwig Mitteregger, Bernhard Potschka, Manfred Praeker) rejoignaient le Nina Hagen Band.

Le groupe est très engagé politiquement et artistiquement sur la scène kraut allemande, à l'image du collectif Amon Düül qui plus tôt développait un art protéiforme, ou encore Floh De Cologne, sorte de cabaret-rock contestataire. Leurs compos alternent un funk chaleureux sur l'instrumental "Rondo", un hard tendance progressif qui n'est pas sans rappeler Jethro Tull sur "Comeback" ou "Leise Sohlen" (avec violons et claviers à gogo), voire un folk accoustique au phrasé théatral sur les morceaux "Requiem" ou "Verfassungslied" (le tout dans la langue de Goëthe).

L'édition est donc le pressage français sorti chez Pläne Records, label indépendant allemand fondé en 1961 (tout de même) sous la référence française LDX 74583. La pochette est VG (la tranche est un peu défoncée au milieu, les coins usés) et le disque est VG+ (un tampon de l'ancien propriétaire sur la label face A). J'estime le tout aux alentours de 50 euros dans l'état où il est, c'est à dire pas top-top mais satisfaisant (rien sur popsike.com mais je l'ai vu en achat sur ebay.de à 49 euro ; en fouinant bien, on le trouve pour moins de 10). A noter à l'interieur de la pochette, les paroles et leur traduction en français.

Si vous possédez des infos sur le disque ou sur le groupe, contactez moi !! et en téléchargement ici leur 1er album, "Kollege Klatt" qui date de 1972, avec des commentaires utiles de bloggers expérimentés...

2007-07-17T02:57:00.001-07:00

A La Demande...

Histoire de faire plaisir, réclamez un album et (dans la mesure ou je le possède naturellement) je posterais des photos et des petits commentaires.

Y'a grosso modo 800 disques pour le moment dans les étagères (je comptes pas les CD et les MP3 sinon ça frole les 3000 albums), et peut être que je pourrais répondre à la demande de certains (je pense surtout à Lou, qui est le seul à passer sur ma page). Y'en a pour tous les goûts (hard, blues, pop, cold-wave, disco aussi...), de toutes les époques (1959 à 2002) alors suffit de passer commande.

Bye bye les cocos, un nouveau disque en fin de semaine...

2007-07-15T05:29:00.000-07:00

Frank Zappa & The Mothers of Invention - Weasels Ripped My Flesh (1970, Reprise MS 2028)

Mon idole !! Frank Zappa doit il être encore présenté ?? Sa musique est soit imbuvable, soit géniale, mais ce musicien à mon sens essentiel du 20ème siècle ne laisse pas indifférent. Son oeuvre gigantesque (plus de 70 enregistrements sortis entre 1966 et 1993, et le "Zappa Family Trust" en sort chaque année) est d'une richesse incomparable ; il aborde constamment des styles nouveaux, innove, se réclame de l'avant-garde et ses modèles sont Varèse, Stravinsky ou Johnny Guitar Watson (??). Ses potes c'est pas Huckleberry, Joe et Jim (l'Amérique profonde, même si ça le pourrait) mais Don Van Vliet a.k.a Captain Beefheart, John Lennon ou Éric Clapton aux cotés de qui il déconne, s'engage ou jamme comme un malade (qui ose encore prétendre que Zappa n'est pas un guitariste ÉNORME ??)

Il est malheureusement plus célèbre pour ses prises de positions politiques ou civiques contre la censure et pour la défense de la liberté d'expression dans la musique (surtout aux US) mais il a aussi su tourner en dérision cette oeuvre qu'il a mit des décennies à créer au péril de sa santé (à grand coup de Winston et de café) et la musique ou l'art en général : ses blagues de potaches, ses grossièretés assumées, ses calembours grotesques et autres provocations dadaistes lui auront valu cette réputation de génie absurde et décalé de la pop, lui qui n'aimait pas la pop, étonnant non ??

Le disque que je vous présente ici est le premier pressage de Weasels Ripped My Flesh, album qui mèle toutes les influences de Zappa, et récapitule (à mon sens) la première partie de sa carrière avec les Mothers of Invention, puisque ce disque est sorti après la séparation et contient surtout des extraits de lives over-dubbés (la grande spécialité du Monsieur). Pour vous convaincre du talent de guitariste de Zappa (si vous ne l'êtes pas dejà) écoutez "Get a Little". On retrouve aussi quelques morceaux préférés de Zappa qu'il rejouera maintes fois sur scène plus tard comme "My Guitar Wants To Kill Your Mama", "Oh No" ou "The Orange County Lumber Truck"...

Ce pressage français sorti chez Reprise et distribué (si je ne m'abuse) par Vogue à l'époque est flanqué du n° MS 2028, il est sorti en stéréo en 1970 (il existe apparement une édition mono !!) ; la pochette est VG+ (coins à peine cornés, légères traces d'humidité) et le disque VG+ aussi. Je lui donne une cote gentillette de 60 euro au vue de sa petite confidentialité (même auprès des fans) et de son état général.

2007-07-10T05:37:00.001-07:00

Hammer - Hammer (1970, Atlantic 940 061)

Hammer : voilà bien une curiosité que ce groupe !! aucune trace de leur enregistrement chez Discogs, à peine 2 pages sur le net qui sont consacrées à cet opus de Rythmn & Blues blanc, matiné de Hard, de Blues/Rock et même d'un peu de Jazz (personnellement, il me fait penser à un mélange de Deep Purple et de Joe Cocker). On apprend que ce groupe formé en 1968 du coté de San Francisco à trainé dans les salles de la région une année complète avant d'être repéré par un dénommé Bill Graham, patron du bien-nommé label "San Francisco" (ça ne s'invente pas !)

Je vous épargne les détails du line-up (d'illustres inconnus), mais vous pouvez retrouver la chronique de cet album la plus épaisse sur le site de Geocities. On y trouve aussi un lien vers Myspace pour écouter quelques uns de leurs morceaux. J'ai aussi déniché sur un blog un lien pour télécharger l'album (avec modération) et découvrir ce bon disque sans plus, qui vaut plus pour sa relative rareté que par ses compos... Inutile de rajouter que le groupe n'a d'ailleurs jamais enregistré d'autre album.

Le disque que je présente est donc le pressage français sorti chez Atlantic en 1971, label violet et rouge ; la pochette est VG+ (un nom au verso) et le disque VG+ aussi (un nom sur le label). A noter qu'il était originalement paru sur le "fameux" label San Francisco sous la référence SD 230.

A la faveur des prix affichés chez Vinylrecords.ca, de ceux de Musikstack ou chez Solid Viper, et de la difficulté que j'ai eu à obtenir des infos sur ce disque je lui attribue une cote dans un fourchette de 30 à 40 euro. Mais d'après Lou et Popsike (qui surévalue quand même pas mal, il vaudrait 100 à 120 euro)

2007-07-08T06:18:00.000-07:00

The Beach Boys - Pet Sounds (1966, Capitol T-2458)

L'année 1966 a vu fleurir des bijoux de la pop et du rock, et les Beach Boys, qui règnent alors sur la vague surf made in U.S.A. nous gratifient là d'un monument. Leur image un peu superficielle de groupe à midinettes et de vendeurs de 45 pour teenagers commence à excéder Brian Wilson, qui écoute en boucle le Rubber Soul des Beatles ; il veut écrire une oeuvre forte et contemporaine, majeure et symphonique dont tout le monde se rappellera.

Ce disque est aujourd'hui un classique incontournable, une pierre angulaire de la pop, qui aura influencé des générations entières de musiciens ; le non moins fabuleux Sergent Pepper's... des Beatles (encore eux) est directement inspiré du boulot de Wilson, et la légende veut que Paul McCartney ai déclaré que "God Only Knows" était la plus belle chanson d'amour jamais écrite !

L'exemplaire que je vous présente est le pressage français mono de 1966 ; la pochette est VG, un peu cornée et déchirée sur 1cm sur le verso ; le disque est EX, passe superbement et le label est très beau, les couleurs sont restées très vives !

Je lui attribue une cote raisonnable de 60 euro vu l'état un peu limite de la pochette...

Vous trouverez ici une critique assez bonne et complète, et merci à Lou pour le lien vers Popsike, ça donne une idée des prix de référence (même si c'est 80% de vinyls UK)

2007-07-07T04:48:00.000-07:00

Can - Tago Mago (1971, UAS 29211/12X)

Afin d'inaugurer ce blog, comment ne pas démarrer par un collector inestimable !! enfin j'exagère à peine... Le groupe Allemand "Can" sort Tago Mago en 1971, album surprenant à la première écoute, tout comme d'ailleurs la plupart des disques de space ou kraut rock de l'époque. La rythmique est métronomique, la voix est inhumaine, les riffs de guitare sont hypnotiques... vous trouverez de bonnes critiques de ce disque absolument partout sur le net, tant il est incontournable. Si vous ne connaissez pas (la honte !!), téléchargez le là.

Pour l'anecdote, j'ai trouvé ce disque dans un carton que mon voisin et logeur comptait mettre en vente dans un vide-grenier : il m'a proposé de me servir avant, et je ne vous cache pas que ce n'était pas la seule perle du carton...

Cet exemplaire est donc le pressage français sorti chez United Artists en 1971, la pochette est VG+ (les coins sont un peu cornés, pas d'écriture, pas de déchirure), les disques sont VG+ car ils laissent percevoir un léger bruit de fond (mais le disque a quand même 36 ans...)

je lui attribue une cote qui me semble correcte de 60 euro (qui dit mieux ??)

2007-07-07T04:41:00.000-07:00

La présentation...

Salut la famille des Bloggers, je viens présenter quelques uns de mes vinyls favoris, et peut être rencontrer des passionnés histoire de causer.

J'essaierais d'alimenter régulièrement le Blog, et assortir les photos d'une petite anecdote sur le disque, ou plus simplement d'extraits de chroniques.

N'hésitez pas à laisser des commentaires, je vous répondrais bien volontiers !

Bien amicalement,